Форум Модерн

Путь к пониманию явления - знание его истории. Понять происхождение и/или значение линии на кованной решетке или в штукатурном орнаменте постройки можно изучив историю стиля, в котором работал архитектор. Наибольшим орнаментализмом выделяется из всех стилей - модерн -стиль охвативший старый и новый свет в конце 19,начале 20 века. Российская Империя  , пребывая одной из величайших империй того времени , не осталась в стороне и,конечно, Санкт-Петербург, как столица этой империи, и сравнительно молодой город ,активно застраиваясь, подвергся тенденциозности модерна в большей степени чем многие старые столицы мира. Если в старых городах новые дома возводили вместо ветхих или разрушенных , в Санкт -Петербурге застраивались целые кварталы на вновь осваиваемых землях. Модерн Петербурга уникален.В архитектуре модерна нашего города , эволюционирующего с 1880гг по 1917г , слились особенности трех национальных культур . Европейская культура (франция,бельгия,германия) принесла характерную , изящную орнаментику и задала стандарты декорирования . Скандинавская культура ( швеция ,прибалтика, финляндия) поделилась многообъемной концепцией построения зданий (здания как бы состоят из нескольких взаимопересекающихся геоментрических объемов ) и внесла некоторую северную брутальность . Русская культура , заключая в себе византийские и языческие корни, проявилась в декорах , решениях форм эркеров , фронтонов и других элементов.

Именно триединство этих непохожих культур , соединившись в Санкт-Петербурге подарило нам Петербургский Модерн.

Предлагаю в этой теме обсудить Европейский  Модерн , рассмотреть историю характерного для него орнаментализма и зодчества .

Апологетом европейского декора  Модерна ,по мнению исследователей стиля , является гобелен , росшитый Германом Обристом в 1895 г.

Считается что именно эта тряпица , перевернула сознание многих зодчих , и обратила их в религию Модерна .

Вот выдержка из книги А. Чадаевой "Эдемская память"  

... Я гость и сплю в гостиной, или, как её здесь называют, зале, на изящном диване с вычурной резьбой в навершии спинки. У дивана деликатно чуть подогнуты ножки, словно с краешку на нём сидит тонконогая уездная барышня в чёрных чулках. И мягкая спинка, и ложе обтянуты нежным бархатом зеленовато-болотного цвета.
Справа от дивана - проём в спальню хозяев дома. Высокий, под потолок, вход задрапирован портьерами. Они из того же бархата цвета мягкого, обволакивающего мха. Длинные полотнища по краям обшиты тесьмой с шерстяными бубенчиками. Заденешь - и они долго волнуются, перешёптываются.
Но самое удивительное в портьерах - вышитые шёлком цветы. Нити чуть светлее мха на верхнем, поперечном полотне рисуют пару кувшинок, а может быть, лилий. Чаши их вписаны в крутой изгиб листа-стебля, словно спираль спокойно-правильной античной розетки развернулась в удар бича, хлыста. В изысканный непокой.
Совершенство несовершенного, распахнутого, незакольцованного. Дети не мыслят определениями, мне просто нравилось, и всё. Я тогда не знала, что стиль art nouveau, или moderne, бархатным прикосновением войдёт в меня и я всю жизнь буду искать его стремительный росчерк в мире домов, картин, скульптур и разных интересных вещиц. Я только недавно вычитала, кому персонально обязан своим рождением этот стиль, который само время вынашивало в незримом лоне.
Это был немецкий учёный-натуралист Герман Обрист. Занимаясь рукомеслом, он в 1895 г. создал ковёр, на котором изобразил красный цикламен. Необычной была линия стебля. Геометры видят в ней синусоиду, графики - энергичный росчерк пера. В анналах европейского искусства она названа "удар бича".
Невелика, казалось бы, находка. Отчего же она перевернула архитектурный почерк Европы, в том числе России? Какая магия раскрепостила гусеницу античного меандра, разорвала кольцо классической розетки, вместо греко-римских портиков учредила дверные проёмы в форме замочной скважины? Да мало ли что ещё!
Добропорядочный немец Герман Обрист не подозревал, конечно, о революционной начинке своего "красного цикламена". Был исполнителем Высокого Замысла - синтезировать старое в новую гармонию.

источник 

Исторя мирового Модерна - стиля с большой буквы,  открывается творчеством гениального Альфонса Мухи . Этот художник-декоратор открыл новые, для изобразительного и прикладного искуства,   алгоритмы линий , способы построения декоров и сочетания цветов, предопределившие развитие мировой культуры не только на ближайшие 30 лет , но и ставшие образцом стиля для последующих поколений ценителей Арта, дизайнеров и просто людей с хорошим вкусом .   Работы Альфонса Мухи  поют  о  тесной связи человечества с остальной биосферой земли . Это очень красивая песня ...

Альфонс Мария Муха (Alphonse Maria Mucha ) родился 24 июля 1860 года в старинном моравском городке Иванчице, в семье потомственного виноградаря Ондрея Мухи, который, однако, благодаря упорству и смекалке по одним данным ,стал в городке известным портным, по другим служил мелким судебным чиновником . Матерью Альфонса была вторая жена Ондрея (первая умерла), 37-летняя Амалия, дочь богатого мельника. Но и она, родив мужу еще двух дочерей,тоже, вскоре умерла. В детстве он увлекался пением и был принят певчим в хор мальчиков капеллы собора Св. Петра и Павла в Брно, что позволило ему учиться в гимназии. К этому же времени относятся и его первые опыты живописи (известная акварель «Жанна д'Арк»).
Когда юноше исполнилось семнадцать, отец написал письмо в Пражскую академию искусств с нижайшей просьбой принять его сына в класс живописи.
То, что сын не окончил гимназии , отец объяснял его слабым здоровьем. Но это было выдумкой. В архиве сохранился приказ об отчислении Альфонса Мухи «за наглую ложь и постоянные пропуски богослужений». Хорошие оценки у него были только по пению и рисованию. Однако из Праги пришел отказ, ввиду того, что «автор рисунков полностью лишен таланта». И пришлось Альфонсу начать зарабатывать деньги.
По протекции отца, работал писарем в суде своего родного городка. Все свое свободное время он посвящал занятиям в местном любительском театре - вначале как актёр, затем как декоратор и художник афиш и пригласительных билетов.Но его неудержимо тянуло в искусство.В те времена отделка квартир, роспись по стенам и потолкам была в большой моде. По углам и над окнами «престижных квартир» под кистью молодого художника порхали дивные амуры, распускались невиданные цветы, танцевали и водили хороводы грациозно-нежные амазонки.
В 1879 Муха был замечен и приглашен в Вену в качестве художника театральных декораций. После пожара в «Рингтеатре» в 1881, который привел к гибели около 500 человек и уничтожил его мастерскую, декораторская фирма потерпела крах, а сам он был настолько потрясен, что покинул Вену и переехал в небольшой моравский городок Микулов ( по другим сведениям в Судеты), где работал над украшением родового замка графа Куэн-Беласси, а затем и его парадного дворца Эммахоф под Веной. Замок назывался поэтично - «Эммахофф», в честь хозяйки, графини Эммы. В 1885 году, по подсказке венского живописца Крэя граф великодушно посылает молодого художника за свой счет в Академию изобразительных искусств, в Мюнхен . После двух лет занятий в Мюнхене Муха в 1887г. переезжает в Париж и поступает в Академию Жюлиана, а затем в Академию Коларосси, наиболее известные художественные школы своего времени.

Однако неожиданно «грянул гром». Граф сообщал, что в связи с финансовыми затруднениями прекращает высылку денег. Альфонсу мухе приходится бросить занятия серьёзной живописью и зарабатывать изготовлением рекламных плакатов, афиш, иллюстраций в книгах и журналах, календарей, ресторанных меню, приглашений, визитных карточек и т. д. Его мастерская находится над кондитерской мадам Шарлотты (в течение некоторого времени он делил её с Ван Гогом). Важной вехой в этот период был заказ на создание иллюстраций к многотомной «Истории Германии».
Поворот в его судьбе наступил в 1894, когда накануне Рождества он получил от театра «Ренессанс», казалось бы, ничем не примечательный заказ на афишу премьеры представления «Жисмонда» с участием великой актрисы Сары Бернар.

"Жисмонда" - афиша, с которой начался его успех. О её создании существует легенда, почти сказочная. 26 декабря 1894 года, в день Св. Стефана художник, временно заменяя приятеля, правил оттиски в издательстве, директору позвонила Сара Бернар и попросила срочно сделать афишу для её новой роли в «Жисмонде». Все штатные художники уже находились на рождественских каникулах, и директор попросил Муху попробовать. Художник стилизовал черты лица Сары, и обвел его ореолом из золотой мозаики. На афише Сара выглядела такой, какой она видела себя на сцене: не пятидесяти с чем-то лет, а эфемерной, ангельской чаровницей. Восхищенная публика срывала плакаты со стен.

Эта работа моментально сделала его едва ли не самым популярным художником в Париже. Восхищенная Сара Бернар пожелала познакомиться с неизвестным художником, и по её настоянию он получил место главного декоратора театра.Некоторое время Муха был также любовником знаменитой актрисы.

Все рекламные афиши, панно, календари и прочие декоративные формы исполнял для нее только Муха. Ибо к этому времени он открыл свой стиль - неповторимый и единственный. За последующие шесть лет из-под его кисти вышло множество афиш к спектаклям, к самым известным из которых относятся «Дама с камелиями», «Медея», «Самаритянка», «Тоска» и «Гамлет», а также декорации её постановок, костюмы и украшения.

Змеевидный браслет на левой руке Медеи, придуман Мухой во время работы над плакатом. Он так понравился Саре Бернар, что она заказала ювелиру Жоржу Фуке (фр. Georges Fouquet) сделать браслет в форме змеи и кольцо c драгоценными камнями по эскизу Мухи, чтобы надеть их во время постановки пьесы.

Сотрудничество между художником и ювелиром началось в 1898 году или около того. На Всемирной выставке 1900 года в Париже Фуке показал ювелирную коллекцию Мухи, наделавшую много шума. Действительно, коллекция состояла из фантастических театральных предметов, которые были составлены из большого числа компонентов и соединяли множество техник и материалов.Тогда-же Муха декорировал парижский  магазин ювелира .

Как и украшения, изображенные на графических работах Мухи, которые теперь превратились в модели для реальных вещей, воспроизведенные предметы в большинстве своем были необыкновенно восточными и византийскими одновременно. В своей утонченной роскоши эти сокровища соперничали с современным живописным ювелирным искусством, вдохновленным символизмом, таким, как искусство Рене Лалика. С тем, чтобы привлечь более широкую клиентуру, в последующих произведениях Муха отбросил орнаментальную избыточность в пользу большей строгости.

В эти годы он приобрел широкую известность как автор этикеток и виньеток разнообразных товаров - от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек, а также как дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства (ковры, портьеры и т. д.). От заказов не было отбоя. Газеты писали о феномене Мухи, в Париже даже появилось новое понятие - «La Femme Muchas». Большенство работ Мухи отличается своеобразным неповторимым стилем. Центром композиции, как правило, является молодая здоровая женщина славянской внешности в свободной одежде, с роскошной короной волос, утопающая в море цветов - иногда томно-пленительная, иногда загадочная, иногда грациозная, иногда неприступно-роковая, но всегда обаятельная и миловидная.

Картины обрамляют замысловатые растительные орнаменты, не скрывающие своего византийского или восточного происхождения.Роскошные, чувственные и томные «женщины Мухи» тиражировались моментально и расходились тысячными тиражами в плакатах, открытках, игральных картах... Кабинеты светских эстетов, залы лучших ресторанов, дамские будуары украшали шелковые панно, календари и эстампы мастера. В этом же стиле были созданы красочные графические серии «Времена года», «Цветы», «Деревья», «Месяцы», «Звезды», «Искусства», «Драгоценные камни», которые до сих пор тиражируются в виде арт-постеров . 

Одно из известнейших парижских графических издательств, «Шампенуа» (Le Champenois), заключает с ним эксклюзивный контракт на его прикладное творчество.
Он успел съездить на заработки в Америку. Там его уже встречали афишами с его изображением в полный рост и аршинными буквами: «В Соединенные Штаты приехал самый великий художник-декоратор всех времен!». Он стал любимцем повсюду. Даже в Японии, где открыли его музей. Но, конечно, именно парижский период принес ему славу. Навсегда сделал Альфонса Муху желанным художником в экспозициях всемирных музеев и галерей.

В 1895 Муха входит в круг символистов «Салон ста» (Salon des Cent), группировавшихся вокруг небольшой одноименной художественной галереи, к которому принадлежали такие личности как художники Боннар, Тулуз-Лотрек, Грассе, поэты Верлен, Малларме и другие.

Поль Гоген, Альфонс Муха, Людек Марольд, Анна ла Жаванез. Фото Альфонса Мухи, Париж, 1896 г. © Alfons Mucha

Поль Гоген. Фото Альфонса Мухи, ок. 1895 г. © Alfons Mucha

В число его знакомых входят братья Люмьер, вместе с которыми он участвует в опытах по кинематографии, и Стриндберг. Начиная с 1897 он организует персональные выставки в Париже и других городах Европы, включая Прагу, пользующиеся огромным успехом, журнал La Plume посвящает ему специальный номер. В 1900 Муха принимает участие в отделке павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже.
В 1906 году, уже сорокашестилетним, прославленным, он женился в Париже на своей юной ученице и соотечественнице Марии Шитиловой. Она была и оставалась до конца жизни его любимой Музой, его моделью. Была младше художника на 22 года. И обожала его. Искренне и бескорыстно. Они родили и вырастили двух дочерей - рыжеволосых красавиц, так похожих лицом и статью на ослепительную мать. Потом Муха рисовал и их, дочерей - молодых, свежих.

И в поющих линиях их фигур, в их чертах находил все ее же, свою обожаемую Марию, ибо до последнего часа не хотел и не мог избавиться от ее чар.
Одновременно он принимает предложение Американского общества иллюстраторов и переезжает в США, где жил и работал до 1910 и считался крупнейшим художником современности. Однако, несмотря на громкий успех (Муха снискал себе славу портретиста и автора обложек иллюстрированных журналов), тамошняя жизнь тяготила его своим коммерционализмом, и он не порывал с мечтами вернуться в Чехию. К тому времени он решил, что его прежнее творчество исчерпало себя и задумывался о создании грандиозного цикла эпических картин на тему истории славян.В конце концов его страстное желание писать картины воплотилось через семь лет в серии крупных живописных полотен «Славянская эпопея». Все это - вещи патетические, серьезные. И написал их Муха уже, вернувшись на родину. И для родины. Передал в дар Праге. Но надо сказать, тогда это ни на кого не произвело впечатления. Его по-прежнему считали мастером «афиши и интерьера». И его декоративные работы в Салоне мэра в Муниципальном доме Праги считались куда более популярными.

Сразу же после возвращения в Чехию в огромном Хрустальном зале замка Збирог недалеко от Праги он принялся за работу. В течение последующих восемнадцати лет из-под его кисти вышло двадцать монументальных полотен, изображающих переломные вехи в истории славянских народов, в частности, «Славяне на исторической родине», «Симеон, царь Болгарии», «Проповедь Яна Гуса», «После Грюнвальского сражения», «Ян Коменский покидает родину» и «Отмена крепостного права в России». В эти же годы он работает над интерьерами самых известных зданий Праги в стиле модерн - Муниципального дома, отелей «Европа» и «Империал», создает эскиз главного витража достраиваемого собора Святого Вита в Граде. После образования в 1918 независимой Чехословакии Муха поглощен созданием «официального» графического стиля нового государства: его таланту принадлежат образцы первых банкнот и почтовых марок страны, один из вариантов государственного герба и даже правительственные бланки и конверты.
В 1928 Муха заканчивает свою «Славянскую эпопею» и дарит городу Праге.

Вследствие того, что в тогдашней Праге не нашлось галереи, которая могла бы разместить её всю целиком, она временно экспонировалась в Дворце ярмарок, а после войны была помещена в замке в городке Моравски-Крумлов (чешск. Moravský Krumlov; доступна для осмотра с 1963).

К концу его жизни интерес к нему был потерян: в Чехословакии 30-х годов его творчество считалось и устаревшим (период расцвета функционализма), и чрезмерно националистическим.
Патриотизм художника был настолько известным, что власти гитлеровской Германии включили его в список врагов рейха. После захвата Праги в марте 1939 гестапо несколько раз арестовывало престарелого художника и подвергало допросам, в результате чего он заболел пневмонией и скончался .Умер Альфонс Муха незаметно, 14 июля 1939 года, держа в ладони руку Марии. Он был в тяжком предчувствии еще большей беды. Ведь уже началась вторая мировая война. Уже четыре месяца сапоги нацистов топтали землю его романтически любимой родины. Перед ним на стене висели эскизы его последних рисунков. Наброски для почтовых марок. Как всегда, полные красоты и изысканности.

Альфонс Муха похоронен на национальном кладбище-пантеоне в Вышеграде.

В Пражском музее хранятся картины и личные вещи художника, а в библиотеке - грифельная доска с его парижским адресом, на которой он оставлял мелом послания своим посетителям.

Последняя запись, сделанная его красивым почерком, словно оставлена для нас и читается очень легко: «...Муха придет...», а далее дата - уже неразборчиво...

Каждый талантливый человек ближе к Богу, чем другие...

Пионером стииля Модерн  в архитектуре  считается Виктор Орта . Мастер, подчинивший жесткие от природы материалы -стекло и металл - витеиватым законам орнаментики Модерна , увековечив и овещесвив тем самым символ Модерна - живую , органическую  и потому органичную Модерновую Линию . Именно благодаря ему, Витору О., Белгию считают колыбелью АрНуво . И небезосновательно ...

Виктор Орта родился в Генте 6 января 1861 года. Год он учился в Гентской консерватории. Затем начал изучать архитектуру в Гентской Академии художеств. В 1878 году работал в Париже у архитектора Ж. Дюбуйссона. В 1880 году поступил в Брюссельскую Академию изящных искусств, где занимался у А.Бала.

 В 1892 г. Орта получил первый заказ. Известный брюссельский инженер и промышленник Эмиль Тассель предложил молодому архитектору построить для него городской дом (1892-1893 гг.).

Брюссель в 1880-1890-х годах был центром художественной культуры, где пересекались пути основных новаторских течений в искусстве. Не случайно поэтому, что именно бельгийцу удалось создать сооружение, начавшее линию "ар нуво" в архитектуре модерна - особняк Тасселя в Брюсселе.

Домом Орты восхищались по двум причинам: он точно соответствовал вкусам владельца, и в нем полностью отсутствовали какие-либо черты прежних исторических стилей.

Пять лет спустя после того, как дом был построен, Людвиг Хевеши, австрийский критик, опубликовал статью, из которой видно, какое значение придавали современники дому, построенному Ортой.

Архитектура фасада дома на улице де Турин так же оригинальна, как и интерьер. Эркер - стандартная деталь каждого дома в Брюсселе - сохранен, но Орта превратил его в криволинейную поверхность с глубокими остекленными проемами. Гладкая стена незаметно переходит в эту выступающую часть фасада.

Несмотря на новое моделирование, фасад для того времени, когда был построен дом, в достаточной мере консервативен: это просто обычный тип массивной каменной стены.

С 1897 года Орта преподавал в Брюссельской Академии изящных искусств. В том же году он построил в Брюсселе Народный дом.

Свежесть замысла, столь характерная для здания на улице де Турин, еще сильнее проявляется в Народном доме. В начале ХХ века Орта построил несколько торговых зданий. В 1901 году применил при постройке здания магазина "Нововведение" (Брюссель) открытый железный каркас.

В 1915 году Орта жил в Лондоне, а вскоре переехал в США. Здесь он оставался до 1918 года, до окончания первой мировой войны. В 1922-1928 годах архитектор создал проект Дворца изящных искусств для Брюсселя.

Орта сделал блестящую карьеру. С 1927 года он руководил Брюссельской Академией изящных искусств.

Для стиля Орты характерна подчеркнутая новизна и даже сенсационность. Он не только создал новый архитектурный декор, но и активно использовал те формы, которые уже широко бытовали, но пользовались статусом "новых", "современных".

Поэтому в творчестве Орты возникло сочетание эстетики символизма иррационалистического "органического" начала и рационалистических тенденций.

 Орта продолжал весьма устойчивую во Франции традицию - романтическую интерпретацию готики, когда формы готической архитектуры сравнивались с формами растительного мира.

Готическая ажурность, свойственная многим произведениям этих архитекторов, шла из этого источника. "Я хочу уже в фасаде выразить план и конструкцию здания так, как это делалось в готике, - говорил Орта, - и подобно готике выявить материал, а природу отобразить в стилизованном декоре".

 Кино о творениях Виктора Орта. 

Музыка , между прочим , Эрика Сати . Эрик Сати - АрНуво в музыке.

Жизнь архитектора оборвалась в 1947 году.

Работы Виктора Орта представляют собой образец   рафинированного , чистого  Модерна ,  как академического нового стиля в архитектуре . Каждое новое сооружение он выполнял , как целостный замысел , предполагающий единство формы и содержания - фасада и интерьера , где каждый фрагмент продуман и взаимосвязан. В сознании всякого , кто видел эти  творения рождается и живет  Виктор Орта. Не многим его последователям удалось обессмертить себя столь мистическим  способом  . 

тут

Начинаем созерцать известнейший опус Альфонса Мухи

    Documents Décoratifs

(декоративные документы)

Documents Décoratifs , Декоративные Документы Альфонса Мухи -.продолжение . 

Продолжаем  созерцать Documents Décoratifs , Декоративные Документы Альфонса Мухи.

Продолжаем созерцать Documents Décoratifs , Декоративные Документы Альфонса Мухи

Продолжаем созерцать Documents Décoratifs , Декоративные Документы Альфонса Мухи !

Продолжаем созерцать Documents Decoratifs , Декоративные Документы Альфонса Мухи

 Созерцаем  Documents Decoratifs , Декоративные Документы Альфонса Мухи.

Завершаем созерцать наиболее известный опус Альфонса Мухи- Documents Decoratifs , Декоративные Документы .

Яркой вспышкой своего таланта ослепил рубеж веков художник и ювелир Рене Жюль Лалик (Rene Lalique) . Его произведения актуальны и непревзойденны и по сей день , а влияние на эпоху Модерна несомненно . 

Рене Жюль Лалик родился в Ай (Ау), небольшой французской деревне, 6 апреля 1860 года.  В возрасте двух лет его семья переехала в пригород Парижа из-за  работы отца, но ездил на Ай на летние каникулы. Эти поездки на Ай , где художник находился один на один с природой ,повлияли позже на натуралистический стиль творчества Лалика. В 1872 году, когда ему было двенадцать, он поступил в колледж Тюрго , где начал заниматься живописью  и рисовать эскизы. После смерти своего отца через два года, Лалик начал работать учеником ювелира Луи Aucoc в Париже и посещал  вечерние занятия в Школе декоративных искусств. Он работал там в течение двух лет, а затем в 1876 году переехал в Лондон для обучения художественное училище, где продолжал   оттачивать свои  навыки  графического дизайна и совершенствовать  натуралистический подход к искусству.

 По возвращению  из Англии, он работал в качестве свободного художника - проектировал ювелирные изделий для французских ювелирных домов   Cartier, Boucheron и других. В 1885 году он открыл свой собственный бизнес. К 1890 году  Лалик  был признан одним из лучших  дизайнеров стиля Модерн   во  Франции  . По сей день  он продолжает  быть одним из самых известных мастеров  в своей области.

Его имя синоним творчества, красоты и качества. Лалик пренебрегая условностями и традициями создавал каждое украшение, как самостоятельный, пожалуй даже самодостаточный предмет искусств. 

В дорогих украшениях он "брал" не каратами, а искусством. Мог использовать простое стекло, обычную эмаль. Если по замыслу нужен был цвет, узор, фактура, простого самоцвета, то именно этот самоцвет он и использовал в своей работе. 

                                      

Ну и конечно любовь Лалика к миру природы не просто наложила отпечаток на его работы, но и на рождения Нового стиля в целом: бабочки, стрекозы, змеи, лианы, орхидеи, цветы – все это черты Арт нуво .

Работы Рене Лалика образуют абсолютный апогей ювелирного искусства стиля модерн (Ар-нуво). Они являются образцом не только невероятного технического совершенства и точности, но и несравненного художественного качества. 

Используя в своих работах самые различные материалы и техники Рене Лалик обращал внимание на самую мельчайшую деталь и достигал таким образом шедевров неповторимой красоты. 

В его ювелирных изделиях, завоевавших весь мир - от императорского двора в Токио до царской России и изысканных салонов Европы, - сочетаются золото, жемчуг, бриллианты, аметист и другие камни, всегда сохраняющие свой естественный цвет.

Рене Жюль Лалик создавал украшения для неповторимой Сары Бернар. У него заказывала украшения русская императрица Александра Федоровна. Его прижизненная слава была велика. В 1900 году на Всемирной выставке в Париже ему присудили Гран-при и наградили орденом Почетного Легиона. 

Некоторые ювелирные дома боялись, что украшения Лалика могут отпугнуть великосветскую клиентуру. Его бабочки, стрекозы, колосья были слишком богемны. Знать требовала помпезных украшений с большими камнями. Лалик отвергал эту эстетику. Он предлагал смелые формы и непривычные материалы, например, использовал перламутр и хрусталь. Сегодня это не удивляет, но тогда это был нонсенс. 

Богатая гамма оттенков янтаря, от белого до густого вишневого и черного, соседствует с матовостью черепахового панциря. Элегантность слоновой кости, кажущаяся простота прозрачного стекла, сияние жемчужного перламутра причудливо сочетаются в изделиях Лалика.

Эти материалы увлекали мастера, приглашая к экспериментам, великолепные результаты которых и сегодня вызывают ассоциации с Востоком — Сингапуром, Вест-Индией, Китаем. 
По идее любая вещь Лалика  – это прежде всего образ, определенный прихотливый образ, призванный совпасть или не совпасть с покупателем: тут и стрекозы, и иные насекомые, змейки и растения, цветы и птицы, гротескные фигурки и мифологические сценки.

Есть в этом и определенная идея: женская красота опасна, и горе тому, кто не поймет этого сразу.

Определенная извращенность присутствует в этой фантазии – украшать корсеты и шиньоны осами, змеями и прочими смертоносными гадами, от которых, увидев живыми, женщина отшатнулась бы в ужасе. Например, великолепное колье «Женщины-насекомые», изображающее обнаженных красоток а-ля Климт в платьях, напоминающих стрекозиные крылья.
Впрочем, именно на этой бинарной оппозиции «жизнь – смерть» и построена хрупкая красота рубежа века .

Кино про Лалика 

И еще 

Много фото ТУТ 

Григориан, разрешите признаться Вам прилюдно, всенародно так-скать, и безоговорочно в большущей любви и уважении!!!

Столько красоты и стиля, столько любви и сияния, столько МОДЕРНА и прелести мне давно не приходилось вкушать в один присест. Знаете, пожалуй, последний раз такое бывало в детстве, когда ты объедался бананами, невесть откуда появившимися вдруг у бабушки в чемодане, или посещал музей Меньшикова с его малюсенькими анфиладками и бесконечными шкурами забитой кто его упомнит когда дичи, или когда в гостях у художника тебя вдруг наряжали в разные блестящие тряпки и парики  и пририсовывали мушку где-то между носиком и подбородком... Ощущение ПОЛНОГО восторга. Я даже забыла, что ТАКОЕ ВОЗМОЖНО. Исповедовать модерн так, как Вы это делаете мне, наверно, не под силу (попросту не хватит памяти, ума и цели), но знать, что рядом со мной - вот так, рукой подать - есть Человек, Исповедующий Модерн - это ЧУДО.

Спасибо огромное, 

Ваша Тэя.

¡gracias, señora!  Будем стараться и в предь .....

Замечательно!

А я на Большой Дворянской живу. Соседи!